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TABLE des MATIERES :

                            NIVEAUX DE SENS :

 
   
Clement Greenberg                     Clement Greenberg
             

 

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Greenberg, ses concepts, son orientation, son influence.

[A partir de l'oeuvre de Clement Greenberg]

   
   
   
                 
                       

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- bibliographie de Clement Greenberg.

 

Peut-être Greenberg était-il marxiste. Il croyait en tous cas en un certain type de déterminisme selon lequel chaque artiste est confronté à un choix binaire : être adéquat à son époque ou ne pas l'être. Le bon artiste, nécessairement, est adéquat. Il ne peut qu'être abstrait, puisque l'abstraction est le seul art qui ait survécu aux années 1910.

Il en est des idées de Greenberg comme de l'alexandrin dans la poésie française : même si on les croit dépassées, même si on les combat, même si l'on rejette leurs présupposés, on ne peut pas les éviter, elles sont là, obsédantes, aussi insistantes que les avant-gardes dont on croyait que, elles aussi, elles étaient épuisées. Greenberg est encore avec nous, comme un passager clandestin. Alors embarquons! Suivons ses postulats et les opinions tranchées qu'il avait sur quelques artistes.

Notre époque, donc, a foi en l'immédiat. Elle entérine, en peinture, une évolution vers un espace plat, continu, pur et ouvert qui, par l'intermédiaire du cubisme, privilégie la visualité et élimine la représentation : tout le contraire du pittoresque, sans la moindre concession au pathos. Chaque avant-garde ne reconnaît qu'un petit nombre de conventions, rejette les autres (par exemple le cadre pour l'expressionnisme abstrait) et applique jusqu'à épuisement ou crise ultime certaines règles techniques. Exemples : les impressionnistes modulent les couleurs et les valeurs pour conserver l'unité du tableau; Cézanne multiple les plans frontaux et restaure un certain type de profondeur; Monet privilégie les premiers plans; la peinture moderniste, identifiée à une tension entre le contenu du tableau et sa surface plane, est hantée par la décoration; les cubistes désincarnent l'illusion de profondeur; le collage sauve la perspective; la peinture "all-over" rend toutes les zones du tableau équivalentes, etc... Ceux qui n'entrent pas dans ces catégories, comme Kandinsky, Soutine ou Lipchitz, - ou même le Picasso de certaines périodes - sont impitoyablement rejetés.

Tout ce petit monde est menacé par le kitsch.

Propositions (les têtes de parcours sont entre crochets)

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[Postulat de Greenberg : "Pour réussir, l'art de notre époque doit refléter son essence"]

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[Le modernisme est une tendance à l'épuration de chaque art, qui doit toujours aller jusqu'au bout de ses propres règles]

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[La peinture moderniste formule la question picturale selon une expérience purement optique, qui renonce au modelé et à tout ce qui pourrait connoter le toucher]

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[Pour attirer l'attention, la peinture moderniste se focalise sur les limites qui constituent son medium : le support, le pigment et la surface plane, qu'elle ne partage avec aucun autre art]

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Le meilleur de l'art abstrait est le meilleur de l'art de notre époque; et si l'abstraction est appauvrissante, c'est que cela est désormais nécessaire à tout art important

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Kandinsky a pris l'abstraction pour une fin (une question d'illustration), alors qu'elle est le moyen de réaliser impérieusement une vision

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Pour sauver l'illusion de profondeur, Braque et Picasso ont été conduits à la désincarner jusqu'aux limites de l'abstraction - sans les franchir

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L'art contemporain trouve son principe dans la foi en l'immédiat et le goût pour le concret qui caractérisent l'époque

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Ce que la peinture soutinienne propose se situe plus du côté de la vie que du côté de l'art : que l'émotion puisse s'exprimer sans entraves

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Les cubistes ont appliqué jusqu'à épuisement les règles techniques qu'ils ont créées : après eux, aucun artiste ne pouvait les utiliser sans renoncer à créer son propre goût

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Picasso et Braque ont inventé le collage pour résister à la planéité qui menaçait d'écraser le tableau cubiste

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En rendant toutes les zones du tableau équivalentes en termes d'accentuation et d'importance, la peinture "polyphonique" compromet le tableau de chevalet

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La décoration est le spectre qui hante la peinture moderniste

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L'élimination de la représentation dans l'art abstrait tient à une double limitation : de la peinture à un espace plat, et de la sculpture à un espace ouvert

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Le cubisme est l'aboutissement d'une série d'événements picturaux antérieurs : dissolution impressionniste de la forme, rapprochement par Cézanne de l'objet et du fond

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L'art abstrait émerge quand l'artiste d'avant-garde s'éloigne de tout modèle préalable, au point d'imiter les modes et les procédures littéraires et artistiques eux-mêmes

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Monet voulait représenter la lumière naturelle, mais il a abouti à un principe qui réside dans l'essence même de l'art : la faculté d'abstraction

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Dans le clair-obscur, la lumière et l'ombre se succèdent comme symboles du connu et de l'inconnu, du bien et du mal

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Plus encore que la perspective géométrique, le contraste des valeurs a été un des moyens utilisé par l'art occidental pour créer l'illusion de profondeur

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La sculpture est l'art plastique le plus représentatif du modernisme, car elle n'existe que pour et par elle-même, et dans un espace exclusivement optique

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Kandinsky a retenu les aspects secondaires du cubisme, mais il est passé à côté de ses conséquences majeures

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Depuis Cézanne, la peinture moderniste est identifiée à une tension entre le contenu du tableau et sa surface

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Chagall, Soutine, Lipchitz, arrivés à Paris peu avant 1914, ont voulu réconcilier la peinture moderniste avec la peinture pré-impressionniste

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Cézanne a voulu restaurer la profondeur picturale que les impressionnistes avaient enlisée dans les effets du coloris

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Tout art, qu'il soit prosaïque ou poétique, ne revêt-il pas aux yeux d'un juif qui y regarde d'assez près les traits d'une falsification?

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Le kitsch est le détournement des traditions culturelles pour le divertissement des masses

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La peinture abstraite représente un objet total où l'espace est un continuum qui joint au lieu de séparer

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Entre 1910 et 1920, Chagall, Matisse, Picasso, Braque et Gris, à leur apogée, ont inversé de manière décisive la direction de l'art pictural en Occident

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La peinture moderniste écarte le facteur tactile (ombre et perspective) pour privilégier la visualité pure

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La découverte de Cézanne est qu'il est possible à l'oeil, en suivant de très près la direction des surfaces, de résoudre toute substance visuelle en un continuum de plans frontaux

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Braque, Matisse, Léger et même Picasso ont connu une crise dans les années 20, comme si l'équilibre étonnant des années 1909 à 1914 ne pouvait que rencontrer ses limites

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En mettant en question le cadre comme convention non explicitée, l'expressionnisme abstrait américain a redonné à l'art une nouvelle vitalité

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Une des lois du modernisme est que les conventions non essentielles à la viabilité d'un medium sont rejetées aussitôt qu'elles sont reconnues

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L'art de Picasso a atteint une limite dans les années 30 car il n'a renoncé ni à l'intégrité des images tirées de la nature ni à l'illusion d'un espace à trois côtés

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L'art byzantin, exclusivement transcendant, et l'art moderniste, radicalement positiviste, ont renoncé à l'illusion pour réaffirmer la planéité de l'espace pictural

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Les impressionnistes n'ont pas renoncé à l'unité du tableau : ils l'ont structuré par accentuation et modulation des points et zones de couleur et de valeur

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Le pittoresque englobe tout ce qui est viable, transmissible et utilisable sans risque dans les ingrédients de l'art établi

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Art et Culture (Clement Greenberg, 1988) [AEC]

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Clement Greenberg entre les lignes (Thierry de Duve, 1996) [CGELL]

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Bibliographie de Clement Greenberg (1909-1994)

 

 

 


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